Etre édité en un mois – Illustrer rapidement (j9)
Publié par Ange
Il n’existe pas de recette pour créer des images. Nous sommes tous dépendants de notre inspiration du moment, et nous ne voulons surtout pas négliger le temps accordé à nos œuvres. Il est important de prendre le temps de bien faire, et d’être satisfait de ce que nous créons.
Pourtant, toujours dans l’esprit que je défends sur ArtisteZen depuis le début de sa création, je reste persuadé qu’il existe des manières de perdre moins de temps lorsque nous créons les illustrations d’un album.
Le processus de création ne doit jamais être automatisé, dépourvu d’imprévus et de folie, mais je pense que certaines méthodes doivent être intégrées aux outils qu’un illustrateur doit savoir à sa disposition.
En toute humilité
Si vous décidez de vous accorder du temps pour réaliser vos illustrations, il faut que cette période soit choisie et non subie.
Je ne vais pas faire de cours sur la théorie de la couleur, etc…
car je suis bien incapable de donner des leçons : en tant qu’autodidacte, tout ce que j’ai appris vient de mon observation de la nature, de ce qui m’entoure, et du travail de ces artistes qui nous émerveillent chaque jour.
Considérez ce qui suit comme un aperçu rapide, et documentez-vous un peu partout.
Internet regorge de ressources de bien meilleure qualité à ce sujet.
Voici donc quelques méthodes que j’utilise, mais avant cela j’aimerais aborder quelques réflexions.
Contraste, contraste, contraste
Photo par DistortedSmile
Je crois que je n’ai jamais rien compris de plus fondamental, dans ma courte vie, que l’importance des contrastes.
Dans les arts, dans la vie, tout n’est qu’une histoire de contrastes.
Tout d’abord, il convient de comprendre que la manière dont les gens perçoivent notre travail, qui est le prolongement de ce que nous sommes, établit une relation entre eux et nous.
Cette relation est susceptible d’évoluer, de s’épanouir, de se détériorer.
Les êtres évoluent, autant que leurs sentiments, leurs aspirations.
Ainsi, il n’est de valeur ou de certitude absolue : chaque message que l’on envoie par le biais de nos créations peut-être perçu d’une multitude de manières. Nous essayons d’orienter ce message pour qu’il soit compris sans ambiguïté, mais nous ne pouvons pas nous en assurer dans tous les cas.
Ce que je défends sur ArtisteZen, c’est la valorisation de l’identité de chacun.
Je crois que, ce qui permet à une personne d’atteindre un épanouissement personnel autant que professionnel, tient à sa capacité à affirmer ses différences.
Certaines personnes confondent le fait d’affirmer son identité et celui de modifier son identité pour apparaître différent.
Ma démarche, au contraire, vise à valoriser une certaine authenticité.
Etre soi-même, plus que de raison.
Comment apparaître différent, jour après jour, sans modifier ce que l’on est ?
Il suffit simplement d’affirmer son identité sur des points de contraste.
Un petit exercice ?
Tout d’abord, au quotidien, noter certaines choses qui ne vous plaisent pas, ne vous conviennent pas. Certaines choses que vous aimeriez différentes.
Ensuite analyser : pourquoi cette situation provoque-t-elle cette réaction en moi ?
Puis : quelle est ma position face à cela ?
Enfin : en toute objectivité, ma position a-t-elle de la valeur ?
Que l’on peut également formuler ainsi :
Ma position a-t-elle moins de valeur parce que d’autres pensent différemment ?
Ma position a-t-elle plus de valeur parce que d’autres pensent différemment ?
Ma position a-t-elle moins de valeur parce que d’autres pensent différemment ?
Si vous pensez oui c’est que vous manquez cruellement de confiance en vous.
Ma position a-t-elle plus de valeur parce que d’autres pensent différemment ?
Si vous pensez oui, c’est que vous vous trompez et vous tromperez encore.
Si vous répondez « non » aux deux dernières questions, c’est que vous tenez là une conviction.
Ma position a de la valeur parce que je suis convaincu de sa valeur, parce que je peux l’argumenter et la défendre, parce que je suis conscient de ce qu’elle peut apporter, et parce que je suis conscient de la valeur des positions qu’expriment les autres.
(Cela ne signifie donc pas qu’il faut montrer son désaccord sur tout et n’importe quoi.)
Valoriser votre identité, accentuer les contrastes, c’est affirmer votre position sur ces points-là tout en étant conscient que, ce qui en fait la valeur, est fortement lié aux opinions qui s’y opposent. C’est simplement la théorie de la réciprocité.
Pourquoi tout cela ?
Parce que construire une image, c’est jouer avec des éléments pour qu’ils communiquent et se complètent de manière harmonieuse.
Ce qui se passe sur votre feuille est l’exacte représentation de la manière dont la vie se construit : un ensemble d’éléments sont présents dans le même espace, il apparaît parfois que la présence des uns va écraser celle des autres, et il faut donc s’appliquer pour que chacun ait la place qui lui revient, afin qu’ils trouvent tous un terrain pour s’exprimer en toute harmonie, de manière cohérente.
L’illustration, à mes yeux, c’est la construction d’un dialogue entre les formes, les couleurs, les lignes, les textures, et tout cela je ne l’ai appris dans aucun livre mais simplement de la vie.
Certains d’entre vous ont certainement eu la chance d’étudier les arts et je vous envie d’une certaine manière, mais dans mon parcours artistique d’autodidacte je me rends compte que j’ai réussi à développer des méthodes pour me donner les moyens de m’exprimer en toute liberté. Si ces méthodes sont étudiées en écoles d’art, ma satisfaction vient du fait de les avoir ressenties et construites avant même de savoir qu’elles portaient un nom.
Voilà pourquoi je vais les présenter en toute humilité : j’ai presque peur de parler de ce que je ne « connais » pas.
Car en réalité c’est cela : je ne connais pas ces règles mais je les ai acquises en faisant mon petit chemin dans la vie… et après bien des années j’ai découvert qu’elles existaient et portaient un nom.
Le chemin d’un autodidacte est parfois bien long, mais quel plaisir de construire une réflexion avant même qu’on ne nous enseigne quoi que ce soit.
Bref, j’arrête avec mes histoires.
Le tao
J’allais rédiger un texte concernant le taoïsme, le yin et le yang, mais je viens de trouver dans ma bibliothèque un petit extrait qui convient parfaitement.
Sur des principes que le taoïsme a longuement développés :
Pour voir la réalité avec une certaine maturité il faut comprendre la nature véritable des relations. Communier totalement avec la nature intuitive des choses et comprendre leurs relations réciproques vient alors de soi-même. La vision du ying et du yang, la perception de l’équilibre des forces permet de même manière d’embrasser le point de vue d’autrui.
Ici-bas, le processus évolutif est interactif, et non unilatéral. Les parents exercent une influence sur leurs enfants lesquels en retour influencent leurs parents.
La société influence ses membres, de même que les individus qui la composent peuvent opérer des changements durables dans la société. Tout est en constante et mutuelle interaction.
C. Alexander & Annellen SIMPKINS, Le Petit Livre du Tao (Ed. La Table Ronde)
Photo par Cremo
Construire une image
Voici un aperçu des méthodes que j’emploie, en gardant toujours à l’esprit ces mots :
« Tout est une histoire de contrastes »
Formes
Premier point sur lequel vous pouvez jouer pour qu’un élément de votre composition se différencie, sa forme.
Valeurs
Contrastes au niveau de la luminosité.
Aussi, ne négligez pas l’importance du vide dans vos compositions : une bonne gestion de l’espace est essentielle.
Couleurs
Bien évidemment, le choix des couleurs jouera un rôle important pour construire une image efficace.
Textures
Vous pouvez jouer sur la texture des éléments pour les différencier (pensez au relief, à la brillance car certains éléments renvoie la lumière plus que d’autres, la rugosité…).
Créez votre propre palette de couleurs
Pour cela, je vous conseille de rassembler les travaux que vous avez réalisés et qui vous apportent le plus de satisfaction. Essayez de faire une sélection ayant une certaine cohérence (au niveau des couleurs).
Ensuite, avec votre logiciel de création (Paint, Painter, Photoshop, OpenCanvas, ect…) créez une palette de couleurs à partir des images sélectionnées. (Outil Pipette sous Photoshop).
En utilisant cette palette pour chacune de vos illustrations, vous conserverez une cohérence visuelle tout au long de l’album.
Je créé toujours une nouvelle palette avant même de me pencher sur la réalisation de mes illustrations.
La distance
On a trop peu l’occasion de jouer là-dessus en jeunesse car certains éditeurs estiment que l’œil de l’enfant est trop peu habitué à juger de la profondeur de champ, et que l’utilisation de la distance peut les troubler.
Personnellement, je soutiens que ce sont des bêtises (même pas peur). Que je sache, où qu’ils regardent, leur cerveau a constamment l’occasion d’analyser et de comprendre la manière dont sont composés les différents plans, etc…
Quand certains éditeurs commenceront à assumer le fait qu’ils ne font pas des livres « pour les enfants » mais plutôt « pour rassurer leurs parents » (ce qui est tout autant compréhensible) on aura fait un grand pas. Donc pour ma part, je vous invite à utiliser cette troisième dimension plus souvent en littérature jeunesse.
Alors, quelques principes.
Plus l’élément est distant de la « caméra »
Plus bas est le niveau de détails visibles
Moins les contrastes sont élevés
Moins le niveau de saturation des couleurs est élevé
La saturation?
Voici trois couleurs :
Celle de gauche a un niveau de saturation très bas, et celle de droite un niveau de saturation élevé. La teinte de gauche et celle de droite sont simplement obtenues en faisant varier le niveau de saturation de la teinte du milieu.
Je ne sais pas si c’est clair ?
En parlant de manière barbare, une couleur désaturée se rapproche d’une nuance de gris, un bleu saturé sera « plus » bleu, un rouge saturé plus rouge, etc…
La lumière est colorée
On l’oublie souvent, mais la lumière est toujours colorée.
Ainsi, elle vient colorer les objets qui ont pourtant une teinte qui leur est propre.
Observez le palmier ci-dessus, vous pourrez y voir que la lumière y est appliquée.
La source de lumière est extérieure à l’image, mais la manière dont les éléments se colorent et renvoient la lumière nous informent sur leur propre texture et le type de lumière qui concerne l’image. (J’ai pratiquement un palmier en plastique, si vous remarquez bien).
J’ai accentué l’effet soleil de plomb en brûlant le contour de l’ombre du palmier par exemple.
N’oubliez pas non plus que, si la lumière est colorée, l’ombre est également concernée.
Notez la manière dont j’ai exagérément traité la zone d’ombres des branches du palmier.
Les ombres y sont bleutées.
Notez enfin que les couleurs que vous utilisez ne doivent pas être obligatoirement réalistes, mais leur choix doit rester volontaire et réfléchi.
La création de l’album
Pour travailler mes compositions et ma recherche de couleurs, je travaille dans un format très réduit.
150x250px pour un format horizontal (à adapter bien sûr) cela me convient parfaitement.
Ca permet d’avoir un recul suffisant pour ne pas se focaliser sur les détails mais plutôt sur l’efficacité de l’image avant tout.
Comment vérifier l’efficacité de votre image
Inverser
Utiliser un miroir pour voir votre image différemment (ou la tourner face au soleil et regarder à travers s’il s’agit d’un dessin sur papier, ou faire une symétrie sur l’axe horizontal sur Photoshop).
Prendre du recul
Afficher votre image en niveaux de gris : cela vous permettra de juger des valeurs de chacun de vos gris, de savoir si vos contrastes sont suffisants ou non.
A ce propos, il m’arrive souvent de créer des illustrations entièrement en noir et blanc pour me concentrer sur les contrastes, et de passer à la couleur ensuite.
Ca, c’est un avantage certain lorsqu’on travaille de manière digitale.
Voilà pour la création des illustrations.
En respectant tout cela, il est possible de créer vite et bien, j’en suis persuadé.
N’hésitez pas à parcourir le net à la recherche d’informations plus précises sur certains aspects que j’ai abordés.
Il est d’ailleurs fort probable que j’en aie oubliés d’autres.
Je n’ai pas de logiciel d’illustration, et ne sais pas m’en servir.
A part paint que j’utilise d’une façon tout à fait « autodidacte » pour nettoyer mes dessins.
Mais je compte faire évoluer cela.
Cela dit, à la main les paramètres sont les mêmes!
Et » heureux les intuitifs « en ce domaine! car la cuisine est loin d’être simple…
Je trouve trés interessante la méthode d’un des participants qui consiste à utiliser des palettes de tableaux de grands peintres, pour recréer de nouvelles palettes! (atelier d’ojni je crois??? dsl si je me trompe de participant,j’ai essayé de voir tous les blogs et je ne suis plus sûre! ) ça m’est arrivé avec des tissus dont j’aimais beaucoup les coloris.
La nature est souvent une bonne conseillère aussi c’est vrai…:)
Merci pour ce récapitulatif bien utile Ange.
J’ai beaucoup aimé visiter tous les blogs, une grande variété ,donc une grande richesse.
CONTRASTE CONTRASTE CONTRASTE….
on va essayer d’y penser…
Chére Ange!
Ton point de vu est trés intéressante et plus compréhensible aussi, que les régles enseignées á l’école! Je les trouves trés utiles, parce que tu les a alignées, moi aussi, je trouves que celles sont les plus importantes!
Á propos de ton introduction; je suis tout á fait d’accord-Il faut connaitre nos valeurs ceux qui donnent notre unicité. il y en a beaucoup de personne qui veut toujours imiter un artist ou utiliser sa maniére de création, et on oublie soi-méme.
Ta déffinition de l’illustration dit les régles du typographie aussi! Avec le texte il faut jouer, chercher l’harmonie avec l’image.
((((Moi je pense qu’en dessinant au début il faut penser déjá au lieu du texte aussi!)))))
Tu as utilisé un mot-clef! COHÉRENCE! A propos des couleurs, méme du texte (utiliser la méme font dans l’album), c’est trés importante! (Mes expériences d’enseignante font dire tout ca-je ne veut pas te corriger)
Donc; un grand merci Ange! Tu pourrait enseigner tes conseils!
Coucou!
Eh eh c’est marrant que tu parles de contrastes, du ying yang…une bonne coïncidence … pour comprendre, rendez-vous dans quelques jours sur mon blog quand j’aurai finit ma deuxième illustration. Il me reste plus que la colorisation.
Je passe assez vite sur vos blogs, j’ai pas le temps de m’y arrêter longuement, il faudrait que je trouve un moment. Pleins de choses à faire en ce moment et j’essaye d’avancer sur le projet. Surtout que cette deuxième illustration m’a donné du mal, j’ai dû recommencer tout le dessin…
Comment vous vous en sortez de votre côté?
Ange: en tant qu’autodidacte , tu as été obligé de faire confiance à tes yeux et du coup tu analyses bien. Je retiens tes conseils!! Surtout celui de « sa propre palette de couleurs » et de mettre l’illustration en niveau de gris pour voir les contrastes!
Bon courage pour la suite!
votre article est vraiment passionnant, précis et vraiment bien pensé.
merci.
comme Ojni, je pense que vous pourriez-devriez enseigner!
en école d’art!
j’aurais aimé avoir un professeur comme vous!
des couleurs j’ai appris sensiblement les mêmes choses, mais c’est votre façon d’exposer les problématiques que je trouve pertinente.
c’est étrange, mais en lisant seulement votre titre, j’ai eu envie de chercher des informations sur un professeur que j’avais eu, et j’ai trouvé une vidéo d’un de ses cours sur son site personnel ; dans la foulée j’ai posté un billet à ce propos, et maintenant je viens enfin de découvrir le votre, et je suis épatée de constater à quel point il fait écho à ce que j’ai appris auprès de ce professeur (je me souviens d’ailleurs d’un cours extraordinaire sur le contraste).
La pratique est souvent meilleure amie que la théorie. Donc, j’ai essayé tes conseils, et en conclusion, je ne dirai que ceci: Merci.
je commence ma première véritable illustration tout à l’heure, après les contingences familiales…
merci pour ces explications si claires et si abordables.
Je ne travaille qu’avec les pinceaux ou parfois les crayons aquarellables…
ton expérience est une aide précieuse Ange!
en tout cas c’est génial de voir comme les gens sont heureux de se lancer dans un projet (quel qu’il soit ) je pense que la passion soigne alors prenons soin de nous !
et je vous conseille vivement d’aller voir l’atelier d’Ojni si ce n’est déja fait, magnifique et très instructif …bon moi aussi j’ai du pain sur la planche
amusez vous bien tous !
Bonjour à tous !
Gwenaëlle, j
Je ne peux malheureusement pas voir tes images sur myspace mais je te souhaite bon courage pour ton projet
Belle journée créative à tous, même si le soleil fait la mauvaise tête nos textes et illustrations devraient éclairer notre journée
j’ai mis une de mes illustrations sur mon blog: le nuage
c’est catastrophique, la photo a fait disparaitre tous les effets d’aquarelle discrets du nuage et du ciel…
Ange, est-ce que l’on doit accentuer les contrastes ou est-ce que l’original suffit… ?
Marie-Laure > oui, le choix des couleurs se trouve chez Ojni et je conseille à tous d’aller visiter son blog.
Ojni > Merci pour les compliments
Je ne sais pas si je pourrais enseigner, mais l’expérience pourrait être amusante.
Jo > Merci
Sissi > Je connaissais la vidéo que vous avez présentée sur votre site. J’aurais aimé avoir le plaisir de rencontrer ce monsieur.
Ezra > Comme tu le dis, sans pratique, les conseils ne restent que des paroles en l’air
Gwenaëlle > Oui, toute cette émulation est très motivante.
Jill > Pas de travail pour moi, je profite du soleil justement.
zabelle > je dois avouer que je ne comprends pas ta question?
Parles-tu du sujet que j’ai abordé dans l’article (les contrastes) ou simplement de l’affichage de l’image sur ton blog?
Dans le deuxième cas, je dirais qu’il faut simplement afficher une image qui te convienne (sachant qu’elle représente la qualité de ton travail).
Bonne journée à tous
je pensais en vue d’être publiée
est-ce que l’éditeur reprend l’image comme elle est ou bien est-ce qu’il faut accentuer un peu plus les contrastes?
zabelle > Je ne comprends toujours pas.
Ce n’est pas à l’éditeur de retoucher tes images, ou alors cela doit être fait avec ton consentement.
Tu proposes à un éditeur une image qui te convient (composition, couleurs, contrastes) et s’il les valide son rôle est que le résultat final (album imprimé) soit le plus fidèle possible aux images que tu lui as confiées.
Tu accentues les contrastes si ça te convient, mais pas simplement dans le but de convaincre un éditeur.
Selon les remarques de ton éditeur sur la qualité de ton image (composition, couleurs, contrastes encore) après une première proposition, tu peux décider d’aller dans son sens et faire quelques modifications, ou bien défendre tes choix artistiques, ou enfin proposer ton projet ailleurs.
Les informations sur les contrastes et tous les conseils donnés ici ont pour but d’aider à créer des images plus efficaces, et que le message que tu veux délivrer soit compris de manière intuitive.
Convaincre un éditeur avec ces procédés n’est qu’une conséquence : tout d’abord tu dois te convaincre de la qualité de tes images, et faire en sorte qu’elle communique ton message de manière efficace.
Que l’interlocuteur soit éditeur ou pas ne change pas grand chose.
Convaincre un éditeur n’est qu’une conséquence (voulue) d’une communication efficace, ce n’est pas le but premier.
Le but premier c’est la cohérence, l’efficacité.
Ensuite, tout le reste vient naturellement.
merci Ange, je me suis mal exprimée mais tu as répondu…
je suis loin du monde professionnel de l’illustration, je me suis toujours contentée de dessiner suivant mes envies du moment.
Merci Ange pour cette note
elle est vraiment claire, limpide même! si certains points sont déjà connus pour moi, d’autre sont tout à fait nouveau (comme la notion de vide et d’espace de respiration dans l’image)
C’est d’ailleurs ce qui me plait le plus sur ce site/blog de manière générale: tout respire! la mise en page, les typos, tes cadres et le choix des photos. C’est un lieu vraiment reposant pour les yeux, un véritable endroit zen où l’onpeut réfléchir sereinement.
Et pour apporter ma modeste pierre dans ce jardin, j’avais envie de parler un petit peu de la différence entre un dessin et une illustration:
Pour moi, l’illustration c’est un travail de recherche et de création pour réaliser des images, avec des techniques très larges (dessin, peinture,ordinateur,.) et créer un jeu entre le texte et l’image.
C’est le plaisir d’imaginer et de communiquer !
Dans un livre, le rapport texte/image est très important dans la création d’une histoire car même s’ils sont intimement liés ils ne doivent jamais empiéter l’un sur l’autre.
Un exemple facile a saisir : lorsque l’on on ouvre un livre et en ayant lu le texte l’on n’a plus besoin de regarder l’image; ou à l’inverse, lorsque l’on a vu l’image, on n’a plus besoin de lire le texte, c’est que l’accord entre le texte/image a été enfreint et rend l’autre partie inutile.
Il faut donc jongler habilement avec ces deux parties pour que de leur alliance découle tout le sens de l’histoire et la force des images.
euh je ne sais pas du tout si c’est clair ce que je viens de raconter! :s
Bonjour à tous,
Pour moi, c’est très clair et pas mal du tout Emilie ce que tu dis de l’illustration et du rapport entre l’image et le texte.
Ange : je note le fait de passer en niveau de gris, je ne connaissais pas cette astuce. je vais la tester !
Bonne journée à tous.
Em > Merci pour les remarques concernant le design du site, je crois que ce sont les premières que l’on me fait
Merci!
Je crois que nous sommes un certain nombre à avoir apprécié et compris tes précisions concernant l’importance de la place du texte dans la composition
Un grand grand merci pour ce coup de pouce dans la préparation de mon premier album jeunesse !
Bienvenue Pauline,
et merci pour votre message!